Semana 230_2 En el mundo cualquier cosa está conectada a otra por un tercero. El secreto es descubrir qué es ese tercero.
En el mundo cualquier cosa está conectada a otra por un tercero. El secreto es descubrir qué es ese tercero.
con obra de Yolanda Ceballos. Cristóbal Gracia, Julieta Gil, Janet40, Francisco Regalado, Andrew Roberts y SANGREE
un proyecto de Pequod Co. y LAAA
En esta ocasión, la galería se convierte en una app de realidad aumentada en donde se lleva a cabo una exhibición de esculturas digitales cuyo punto de partida fue el registro fotográfico de objetos físicos. El usuario tendrá la oportunidad de explorar las piezas a diferentes escalas y disposiciones, tanto en conjunto como de manera individual. Las obras de sitio (multi)específico que se presentan fueron producidas especialmente para esta exhibición, no existen de forma física.
Durante estos últimos meses el uso de medios digitales para visitar museos, galerías y estudios de artistas ha incrementado de manera exponencial. La aparición de viewing rooms y otros tipos de plataformas permiten ver objetos físicos en distintas locaciones geográficas. Con la presente propuesta buscamos crear momentos en donde lo digital y lo físico se fusionen en una relación simbiótica, a través del espectador/usuario, como una obra de teatro que sólo puede existir al ser ejecutada.
El escaneo 3D en el ámbito cultural ha sido usado esencialmente para la preservación del patrimonio histórico ante posibles causas de daño y destrucción como lo son guerras, desastres naturales, contaminación, vandalismo, etc. Creemos que ante la actual situación una de las preguntas que se deben hacer es ¿por qué únicamente la producción cultural del pasado es considerada patrimonio mientras que el arte contemporáneo parece carecer de valor para ser preservado?
Este formato de trabajo cuestiona el concepto de “originalidad” dentro de la producción de obras de arte y su estrecha relación con la capacidad de reproducción y alteración de un mismo objeto. Explora la homología entre el gesto humano y digital, mediante la participación del usuario/espectador y la app como un dispositivo performático. En momentos donde todo parece indicar que los tiempos de permanencia dentro de una exhibición serán mucho más controlados y limitados, aquí se presenta una opción para jugar con los tiempos de contemplación y vida de una obra de arte.
Este proyecto fue desarrollado por LAAA, un laboratorio que se enfoca tanto en el desarrollo y producción de obras para artistas contemporáneos como en la preservación del patrimonio cultural y natural. Fusionando nuevas tecnologías y artesanía tradicional, Laboratorio de Arte, Arqueología y Arquitectura desarrolla herramientas físicas y digitales para lograr la visión de cada proyecto.
Pequod Co. apoya carreras jóvenes y emergentes a través de la producción y difusión de cuerpos de obra y exposiciones que navegan y dialogan entre las prácticas artísticas locales y globales de la actualidad, mientras que establece vínculos con el vibrante circuito nacional e internacional. También funge como un puente entre nuevas generaciones de público y coleccionismo, y artistas de mediana y consolidada
carrera a través de proyectos de sitio específico, publicaciones y muestras curadas.
Yolanda Ceballos realiza una serie de ejercicios psicogeográficos donde va formando una dependencia entre su memoria corporal y su entorno físico, por medio de la observación sistemática de los ciclos de destrucción y reconstrucción. Ceballos parte de un levantamiento antropométrico que traslada dibujos y esculturas a sus proporciones, las cuales termina habitando. Así conjuga múltiples temporalidades, apropiándose de un espacio específico y construyendo una nueva memoria de su entorno. En su obra utiliza materiales de construcción como concreto, yeso, acero y alambre, entre otros. Se graduó de la carrera de arquitectura del Instituto Tecnológico de Monterrey. Trabajó con los arquitectos Mauricio Rocha y Agustín Landa. En dos ocasiones obtuvo la beca del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA) Nuevo León, en la categoría jóvenes creadores en artes plásticas. Participó
en la Bienal Nacional de Monterrey, Artemergente y en la XII Bienal FEMSA, Programa Curatorial. Formó parte de la quinta edición del Programa Bancomer-MACG. Fue acreedora a la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en la disciplina de escultura.
Cristóbal Gracia reconfigura hitos históricos y fenómenos sociales y culturales a través de la investigación, apropiación y reconstrucción de crónicas oficiales y mitos urbanos que toma de distintas partes del mundo. Su interés se enfoca en los sistemas ideológicos y de poder que rigen y han construido la concepción de la civilización occidental contemporánea. Gracia cursó sus estudios de licenciatura en La Esmeralda obteniendo mención honorífica y posteriormente ingresó al Programa Educativo SOMA, ambos en Ciudad de México. Ha sido beneficiario del programa BBVA-MACG y de la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en la disciplina de medios alternativos. Su obra ha sido expuesta en el Palais de Tokio, París; Lille 3000 El dorado, Lille; Galveston Artist Residency Gallery, Galveston; Museo Universitario del Chopo, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Tamayo, Casa del Lago y ESPAC en Ciudad de México; Hamburger Bahnhof Museum, Berlín entre otros. Ha sido artista residente en Bikini Art Residency, Lago di Como; Viafarini, Milán; Bienal de las Américas, Denver; Grand Union, Bimingham; Casa Wabi, Puerto Escondido; Casa Nano, Japón, The Art House, Wakefield y Lugar Común, Monterrey. En 2015, Gracia fue seleccionado como artista embajador de la Bienal de las Américas en Denver. Gracia es miembro de Biquini Wax, una plataforma independiente para la producción, discusión y exhibición de arte contemporáneo en la Ciudad de México.
El trabajo de Julieta Gil oscila entre el mundo virtual y físico, creando objetos y narrativas que reflexionan sobre el pasado, presente y futuro. Los medios computacionales se han convertido en objetos ubicuos de nuestra cotidianeidad. La realidad ontológica, la realidad simulada, y la realidad mediada no deben ser entendidas por separado, sino como un conjunto de capas que se aglomeran y crean una realidad compleja y multidimensional. Su investigación artística busca cuestionar las posibles experiencias que pueden resultar cuando esta simultaneidad de realidades se forman e interactúan entre ellas. Egresada de la licenciatura de arquitectura por la UIA, Ciudad de México y Maestra en arte en nuevos medios por UCLA Design Media Arts, Los Ángeles. Fue beneficiaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA en su emisión 2015-2016. Es co-fundadora de FEMMEBIT, festival de video experimental en Los Ángeles, California. Cuenta con exposiciones en diversos espacios online y offline como el MUNAL, Ciudad de México, Nevada Museum of Art en Reno, East Side International y Human Resources en Los Ángeles, entre otros.
Janet40 es un duo artístico y curatorial conformado por Luis Nava y Patricia Siller en 2016. Se centran en colaboraciones con artistas cuya práctica tiene inquietudes basadas en el internet y les interesa convertir los medios digitales a objetos físicos. Como colectivo, han curado y colaborado en diversas exhibiciones,
mostrado en ferias de arte y diseño de manera nacional e internacional, también completaron una residencia en el Museum of Human Achievement de Austin, Texas con el apoyo del FONCA. Patricia se graduó de la carrera de artes mediáticas del CEDIM en Monterrey, y posteriormente se formó en los campos de museografía, museología y curaduría. Luis estudió diseño industrial y se gradúo de la licenciatura de artes visuales de La Esmeralda. También obtuvo diplomas sobre curaduría de sitio específico y de arte contemporáneo. Como artistas, han sido parte de exposiciones en diversos lugares como la Bienal Artemergente en Monterrey Biquini Wax y Festival NRMAL, Ciudad de México; LAZNIA Centre of Contemporary Art, Polonia. Y como curadores, han participado en proyectos en SWAB, Barcelona; Yami Ichi / Centro de Cultura Digital, Casa Equis y Material Art Fair, Ciudad de México. Han sido residentes en Unlisted Projects Residency, Austin; NoAutomático Residency, Monterrey, entre
otras.
A través del rigor y la ingenuidad, Francisco Regalado investiga objetos y procesos con diferentes medios y escalas. Su práctica, influenciada por su experiencia en diferentes ciudades del mundo, se enfoca en la belleza inherente de las geometrías complejas y los elementos, materiales e inmateriales que las constituyen. Licenciado en arquitectura por la UIA y Maestro en arquitectura y fabricación digital por la ETH Zúrich, Regalado fue parte del Advanced Geometries Group en Studio Olafur Eliasson por dos años. También formó parte del equipo de Factum Arte y participó en el desarrollo e investigación de obras de arte para artistas como Anish Kapoor, Larissa Sansour, Tomás Saraceno y Sarah Sze. Ha colaborado en la producción de diferentes proyectos y actualmente se encuentra dedicado al desarrollo de su obra y la preservacion del patrimonio cultural y natural.
Andrew Roberts es un artista visual que trabaja con imagen en movimiento, instalaciones inmersivas y narrativa multimedia. Recurriendo a los lenguajes del horror cósmico, los juegos de vídeo y la ciencia ficción, su obra explora problemáticas en torno a las tecnologías de guerra, los cuerpos digitales y el mundo corporativo. Su obra ha sido exhibida recientemente en el Museum of Contemporary Art San Diego, California; en el Centro Cultural Tijuana; en la Whitstable Biennale del TATE Modern, Londres y en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Ciudad de México, entre otros. Algunas de sus distinciones incluyen el Premio de adquisición en la III Bienal Nacional del Paisaje, Sonora; el Premio de adquisición en el XXXIX Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes; el primer lugar en la 7ª Bienal Internacional de Arte Universitario, UAEM; y el FONCA en la categoría de medios alternativos del programa Jóvenes Creadores (2019-2020). Es el co-director de Deslave, un espacio de exhibición y culto semi-profesional para la producción de arte contemporáneo ubicado en Tijuana y ha realizado proyectos curatoriales.
SANGREE es una colaboración creativa entre René Godínez Pozas y Carlos Lara. Comenzaron a trabajar juntos desde 2009 en una publicación fotográfica del mismo nombre, la cual intentaba explorar algunos de los temas más inescrutables de la historia del hombre mediante imágenes hechas por ellos mismos. Su investigación visual en temas como naturaleza, tecnología, cultura popular, el cosmos, la historia, migró paulatinamente a otros medios dando paso a la creación de dos archivos; uno fotográfico y otro de dibujo. Ambos archivos son alimentados de manera regular y funcionan como fuentes de ideas de las que se pueden desprender diferentes proyectos. La naturaleza tan diversa de las imágenes y temas que han ido archivando a lo largo de una década les ha permitido desarrollar un interés sobre los materiales y la
variedad de medios disponibles que van desde técnicas tradicionales, a procesos más artesanales e incluso intervenciones arquitectónicas de gran escala. René y Carlos estudiaron en la Escuela Nacional de Pintura, escultura y grabado en La Esmeralda, Ciudad de México. Han expuesto de manera individual y colectiva en varios lugares, siendo los más recientes: Casa de México en Madrid, Madrid; Peana, Monterrey; Proyectos Monclova, Ciudad de México; Black Cube Nomadic Museum, Denver; Kunstraum Am Schauplatz, Viena, entre otros.
